Por fin!! después de casi tres meses los robots de blogger se han dado cuenta de que no hago spam y me permiten publicar de nuevo, así que volvemos a

http://barcadecaronte.blogspot.com

aunque esto seguirá “abierto” porque imagino que los caminos de los robots de blogger son inescrutables.

Besos y abrazos.

Para empezar a recuperar secciones del “antiguo” blog vuelvo con el que actualmente es el artista vivo mejor pagado del mundo: Damien Hirst

Acaba de reconocer a su psiquiatra entre el público. (Sólo por el montaje fotográfico que se vé detrás merece un lugar en la Historia del Arte).

Miembro más destacado del grupo “Young British Artists”, de infancia difícil y conocido también por sus múltiples escándalos, tiene la muerte como el tema principal de su obra, siendo la serie “Natural History”, en la que animales muertos son preservados en formol, la que le ha dado más fama.

“The physical Impossibillity of Death in the mind of someone living”

Un tiburón tigre de 4,3 metros de longitud, cazado en Australia por un pescador contratado exclusivamente para esa tarea, a quien Hirst había dicho que quería algo “big enough to eat you“…y que tuvo que ser reemplazado por otro especimen similar en 2006 debido al deterioro que había sufrido.

Sin embargo, creo que la obra que más me fascina de él es esta escultura, “Virgin Mother”:

Pero en 2006 fue cuando surgió la que quizás haya sido la mayor polémica, no sólo por la obra en sí, sino también por la forma de entender el mercado del arte; al parecer, la madre de Hirst le dijo: “For the love of God, what are you going to do next?“, su respuesta fue esta:

“For the love of God“, un cráneo humano cubierto de platino y 8.601 diamantes, que costó realizar entre 16 y 20 millones de dólares y que fue vendido por 99 millones de dólares a un grupo anónimo; la polémica surgió cuando algunas voces dijeron que el propio Hirst y algunos de sus socios estaban en ese grupo para hacer subir considerablemente el precio de sus otras piezas (a pesar de que se le calcula una fortuna de más de mil millones de dólares).

El beso de los cien millones de dólares

Hace unos meses, buscando bizarradas por youtube, di con una canción que hacía referencia a uno de los candidatos a presidente de los Estados Unidos en las elecciones celebradas ayer, mandé el enlace a varios amigos diciendo algo así como “ajajaja, si gana la pongo en el blog!!”, olvidándome del asunto por completo hasta que anoche recibí un sms:”Cómo se dice? Cómo se llama? Si gana la tienes que poner en el blog, te lo recuerdo! ” Así que cumplo mi palabra. Y no sabeis cuánto me alegra poner esto:

Siempre iba a los conciertos con una vieja silla, casi sin asiento, a la que su padre había recortado las patas y que le dejaba la cabeza casi a la altura de las teclas. Llegaba ataviado con abrigos y bufandas, independientemente de la temperatura que hiciera, dejaba las manos en remojo durante veinte minutos antes de tocar y evitaba el contacto físico con extraños. Glenn Gould.

No quiero entrar en datos estadísiticos porque esa nunca ha sido mi idea, salvo contadas excepciones, este señor era uno de los temas pendientes que tenía desde hace tiempo y qué mejor forma de retomar el blog que dedicarle un humilde “homenaje”…como otros tantos genios escandalizó a los más puristas, rompió con las normas establecidas, ganó admiradores y también muchos detractores, su forma poco ortodoxa de tocar el piano, sus tarareos mientras interpretaba la música, su rechazo a tocar en público desde 1964 para dedicarse exclusivamente a las grabaciones en estudio (y a sus programas de radio), que preparaba meticulosamente y que junto a sus conciertos llevaron a convertirle en uno de los mejores intérpretes de Bach de la historia, y todo esto hizo de él una leyenda de la música, a lo que ha contribuido también el diagnóstico póstumo de Síndrome de Asperger.

Me ha costado mucho decidirme con los videos pero empiezo por uno de su juventud y en el que en el minuto 1.58 tiene un detalle de GENIO ABSOLUTO:

Y aquí vuelve a hacer que Bach aplauda desde su tumba:

Un GENIO que ha marcado la forma de entender la interpretación de J.S. Bach y que como “bicho raro” aquí tiene su templo.

Como algun@s sabreis, desde el 5 de Septiembre los “robots” de blogger me han bloqueado el sitio para publicar porque se supone que hago spam; a pesar de haberme pedido disculpas ya he solicitado la revisión tres veces y no recibo ningún tipo de respuesta, por lo que al final me he decidido a abrir otra cuenta en wordpress, e importar las 221 entradas y 956 comentarios que ya tenía, ahora, con un poco de paciencia, iré editando los enlaces y las distintas secciones ( y a ver si consigo hacer bien lo de la redirección de blogger aquí), mientras preparo alguno de los temas “en reserva” dejo algunas imágenes que tomé en la ciudad en la que he pasado los días más felices de mi vida:

THE SHOW MUST GO ON!!

100% libre de Spoilers ( no destripo nada)

Precedida por una espectacular campaña de marketing viral y por “la maldición del joker” llegó a España “The Dark Knight”(la única película sobre Batman que no contiene el nombre del héroe), eso sí, con un par de meses de retraso respecto al resto de países en los que ya se había estrenado, que se note que Spain is different (y después satanizamos al emule), aunque a pesar de este pequeño incoveniente ha merecido la pena, pues no se trata de otro pufo estratosférico como la infame “Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal” (puto George Lucas!).

No suelo hablar de películas “actuales”, salvo que sean bazofias de primera categoría (y van a otra sección) o para los “premios” anuales, pero esto es un caso distinto, y es que cuando lo más lógico sería decir que The Dark Knight (TDK, en adelante) es la mejor película de superhéroes de la historia, no sería justo, porque es mucho más que eso, de hecho le encuentro más parecido con “Heat” de Michael Mann que con cualquier otra película reciente de justicieros enmascarados. TDK es acción, sí, pero también intriga, drama, comedia, y conserva la estructura de una tragedia clásica, con un protagonista que no está tan lejos de su antagonista como en un principio pudiera parecer, y unos giros de guión inesperados que le dan más profundidad a la historia y a los personajes.

TDK plantea cuestiones sobre el bien y el mal en la naturaleza humana, la corrupción que provoca el poder, los principios…pero también puede verse como una simple película de héroes y villanos en la que los dos personajes principales son las dos caras de una misma moneda, jugando también con el personaje de Harvey Dent, que se convierte en otro de las claves del universo de Gotham.

Precisamente Gotham no es la ciudad oscura que hemos visto en cómics y adaptaciones, sino que está más cerca de cualquier gran ciudad norteamericana actual, y lo que en un principio pueda resultar chocante termina siendo una pieza más en este perfecto puzzle tan realista llevado a cabo por Christopher Nolan, que sin embargo deja notar la influencia, sobre todo a nivel argumental y de diseño de los personajes, de los cómics que volvieron a dar a Batman un lugar privilegiado dentro de los cómics, después de una época de olvido (y no muy buenos guionistas)

La fotografía juega también un papel imprescindible en este juego de dilemas y trampas, y si se le añade la música compuesta a cuatro manos por Hans Zimmer y James Newton Howard, perfectamente integrada, sobre todo en los momentos en los que el joker planea hacer alguna delicia, se puede decir tranquilamente que estamos en la Gotham City de Nolan, la más adulta de todas las adaptaciones que hayamos visto hasta ahora.

Joker: Nicholson o Ledger?

LOS DOS! Se han vertido mares de tinta (y lo que queda) sobre qué Joker es mejor, sencillamente creo que no se pueden comparar, el de Nicholson era una excelente interpretación comiquera y burtoniana al máximo, mientras que el Joker de Ledger es Hannibal Lecter con maquillaje, es EL MAL, el caos absoluto, no hay ningún atisbo de bondad en sus acciones, a lo que se añade el desconcierto por no conocer su origen…y no estoy de acuerdo con que se haya sobrevalorado la interpretación de Ledger, si la mayoría de los actores hacen su papel de una forma más que correcta (exceptuando a Maggie Gylenhall, que sólo aporta cierta carga dramática en una escena clave de la película), Heath está un nivel, o varios, por encima de todos ellos, quizás baste recordar que estuvo un mes recluído en un hotel escribiendo “el diario del joker”, donde anotaba ideas que podrían ayudarle a “pulir” su personaje, ensayaba gestos, la voz…un legado inmejorable.

En cualquier caso, he encontrado en youtube un video muy interesante que compara a ambos jokers:

También quiero dejar una escena que sostiene mi DEFENSA A ULTRANZA de la proyección de películas en versión original (no es mi escena favorita pero es para seguir con la línea de no destripar nada a quienes no la hayan visto):

A falta de los estrenos que aún nos quedan, y después de un año tan flojo como el anterior al menos en este hemos visto el nacimiento de un villano que ya está entre los mejores de la historia del cine, en una película que aún dará mucho de qué hablar, en mi caso para bien.

(En el blog hermano “Cuando el arte ataque” puede leerse una reseña menos entusiasta de esta misma película)

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No tiene nada que ver, pero como tengo una enfermedad que me impide dormir si no pongo algo bizarro (y que desde que me puse a escribir esto y a buscar videos ya llevo dos pintas de Guinnes), ahí va eso: Leatherface meets ABBA:

Buscando candidatas para “El psiquiátrico” he llegado a ver dos pelis muy interesantes, no sólo por su realización (a pesar de su escaso presupuesto, sobre todo de la segunda), sino por sus planteamientos tan rompedores que tanta falta hace en medio de esta fiebre de lo políticamente correcto, y que por supuesto también me han encantado por su extremo bizarrismo:

Co-escrita por Xhonneux y Henry Topor, uno de los miembros más destacados del Grupo Pánico, junto a Jodorowski o Fernando Arrabal, sitúa la acción en la Francia de finales del XVIII, antes de la Revolución Francesa (precisamente crearon esta película para conmemorar el bicentenario de la Revolución). Es una adaptación de la vida del Marqués de Sade, recluso de la cárcel de la Bastilla por delitos sexuales, contra la moral pública y por diversas blasfemias.

No olvides marcar la casilla de la Iglesia cuando hagas la declaración de la renta

En esta situación, Sade se refugia en sus escritos, que discute y ensaya con Collin, su pene, y vemos pasar otros personajes como el carcelero que busca favores sexuales del marqués, una joven que queda embarazada del rey, un recluso que quiere liderar la revolución o un cura que intenta sacar provecho económico de las obras del Marqués. Todos los actores llevan máscaras de animales, representando a distintos “arquetipos” de la sociedad.

“Padre, he comido carne de cerdo!” “Y yo que me sentía mal por haber fumado un Camel…”

La película no ahorra detalles a la hora de mostrar orgías (con los actores con máscaras de animales!), circuncisiones, azotes o cualquier práctica que se le ocurriera a los guionistas y que considerasen que tenían que incluir, pero también h ace una crítica a la doble moral de ciertos sectores y supone una defensa (algunas cosas están basadas en hechos reales) de un personaje valiente que fue vilipendiado durante mucho tiempo.

He editado una de las conversaciones del Marqués con su “pequeño amigo” (que tiene voz de mujer), sobre el deseo, la imaginación y quién domina a quién (espero que no me lo borren, aunque lo he subido a una página m ás permisiva que youtube):

“Viernes, 17 de abril, 4 p.m. Venice, California. Huckleberry P. Jones, camello local, trapicheador de narcóticos y mangante de bisutería, fue visto en una casa abandonada de su propiedad. Cuando estaba cortando un poco de heroína en el sótano, tropezó con una puerta misteriosa. Naturalmente, entró…para encontrar la zona prohibida. Jones recuperó la heroína y vendió rápidamente la casa.”

De esta forma comienza esta delirante película del hermano de Danny Elfman (cuya excelente carrera en el campo de las bandas sonoras empezó con esta bizarrada). Realizada en blanco y negro por motivos de presupuesto (lo que al final supuso una ventaja, sobre todo en las escenas de animación), sería absurdo dar detalles del argumento para intentar acercarse a lo que es esta peli, sencillamente HAY QUE VERLA. Me gustaría ponerla entera, pero empezaremos con los créditos iniciales, donde aparecen los personajes protagonistas, el estilo de animación y el cojonudo tema principal:

Lo más cercano que se me ocurre es “The Rocky Horror Picture Show“, pero más gamberra e hija de puta, básicamente: una familia descubre que el sótano de su casa da a un extraño lugar donde “los reyes de la sexta dimensión” hacen y deshacen a su antojo (y donde hay un sapo vestido de frac, la “princesa” que siempre va en topless o un gorila con ropa interior femenina), Frenchy, la hija, tras huir de la escuela en la que su profesora se defiende de los alumnos (mafiosos, jugadores, “niños” drogándose, Hitler…) con una ametralladora, llega a esta “zona prohibida” a través de unos intestinos y saliendo por un enorme culo,

“Vuelve a pedirme ancas de rana si tienes cojones!”

el rey de la sexta dimensión se enamora de ella, provocando los celos de la reina, que quiere matarla, pero al final todo vuelve a la normalidad (????). Aquí vemos cuando Frenchy llega a la sexta dimensión:

Si después de esto aún no estais echando espuma por la boca es el momento para ver la mejor escena: el propio Danny Elfman interpretando al Diablo, acompañado de su banda/grupo de teatro “The mystic knights of the Oingo Boingo” (tal vez os suene su voz, en la versión original de “Pesadilla antes de Navidad” es él el que interpreta a Jack en las canciones):

No sé si después de esto queda patente el nivel de bizarrismo de esta peli, si no, pensad en la escena más “rara” que hayais visto, multiplicadla por diez y pensad que Lynch, Dalí y Buñuel la adaptaran estando fumados y borrachos…eso es The forbbiden zone. A pesar de la falta de dinero (Hervé Villechaize, que interpreta a Fausto, el rey de la sexta dimensión, fue el único de los actores que cobró por participar) , la estética y el diseño artístico están cuidados al máximo, dentro de sus posibilidades, los números musicales son bastante buenos en su mayoría y al final consigue dar una “visión de conjunto” coherente con lo que se está ofreciendo al espectador.

Algunos pensarán cuando la vean que copia el estilo de Tim Burton…y no es así, ya que Forbidden Zone es cinco años anterior a la primera película del director de Sweeney Todd. CINCO AÑOS. Parece que Danny no es el único de los hermanos Elfman al que Burton siguió desde sus inicios…y ya que tenía que soltarlo en algún post lo digo aquí: me jode que cierta marca use a Kerouac, cuya influencia veo en esta peli, para vender coches!!!

El reparto (casi) al completo…VIVA EL BIZARRISMO!

He leído en la página web oficial que se prepara una versión “coloreada” para este año, que veré aunque posiblemente le reste parte del encanto que tiene (mientras no haga un remake tampoco será un gran ultraje), porque seguro que se me han escapado más cosas…(tenía más capturas pero no quería saturar el post, insisto: hay que verla).

PD: Y Barack Obama es nombre de Jedi.

A quien cree que “una brizna de hierba no es menor que la senda que recorren los astros“, con cariño whitmaniano y devoción cósmica…

(canta Allison Crowe)

“It’s, as I say, a desire to affirm my faith in life, not in some formal religious way but with enthusiasm, with emotion…. It’s a rather joyous song.” (Leonard Cohen, autor de la canción)

Siguiendo con la “serie” dedicada a los escritores suicidas, y también relacionado con el post anterior, creo que es el momento indicado para dedicar un post a uno de los muchos escritores a los que debo un homenaje: Maiakovski.

Libertad de expresión

‘La primera noche ellos se acercan y cogen una flor de nuestro jardín,
y no decimos nada…
La segunda noche, ya no se esconden y pisan las flores,
matan nuestro perro y no decimos nada…
Hasta que un día el más frágil de ellos
entra sólo en nuestra casa,
nos roba la luna, y conociendo nuestro miedo
nos arranca la voz de la garganta.
Y porque no dijimos nada
…ya no podemos decir nada’.

Nacido el 7 de Julio de 1893 en Bagdadi (Georgia, actualmente llamada Maiakovksi en su honor), se ve atraído muy pronto por el mundo del arte, y comienza su actividad literaria en la cárcel, al ser detenido acusado de formar parte de una imprenta clandestina del Partido Comunista. Participa en la redacción del Manifiesto Futurista ruso, “bofetada al gusto del público”, y pronto es una de sus principales figuras, además, ve en el cine el instrumento perfecto para la difusión de esa nueva estética:

“Para vosotros, el cine es un espectáculo, para mí es casi una concepción del universo… El cine es la expresión del movimiento. El cine es el innovador de la literatura. El cine es el destructor de la vieja estética. El cine es la intrepidez. El cine es deporte. El cine es el gran difusor de las ideas.”

Cuando triunfa la revolución blochevique en 1917 se une a ella con entusiasmo y se convierte en un extraordinario agitador cultural: viaja por toda la URSS leyendo sus obras en las fábricas y debatiándola con los trabajadores, escribe consignas, diseña carteles, dicta conferencias…uno de sus más famosos poemas, “150.000.000″, sobre la revolución es de esta época.
“150.000.000 es el nombre del autor de este poema. Su ritmo es la bala. Ahora, ante los ojos de todos.”

Pero no sólo escribe poemas políticos. Triunfa también con sus poemas de amor, su obra satírica y sus obras de teatro, que le crean bastantes problemas, pues desde ciertos sectores oficiales se le acusa de “falta de realismo”, Maiakovski escribe a su novia Lili: “El estreno de ‘Los baños’ ha tenido lugar hace tres días. Dejando a un lado algunos detalles sin importancia, es la primera obra mía que ha sido representada completamente a mi gusto… Los espectadores se dividieron en dos posturas antagónicas: unos decían que nunca se han divertido tanto; otros, que nunca se habían sentido tan aburridos. Los críticos se han ido todos con el segundo grupo”.

Su experimentación con el lenguaje, tan atento a la construcción de los versos, su tono efusivo y “cósmico”, en la línea de Whitman, le siguen creando enemigos dentro del mundo literario “oficial”, y el 14 de abril de 1930, por motivos que aún no están muy claro, se suicida con el revólver con el que había interpretado un suicidio en la película “Pero no por dinero”, dejando la siguiente nota:
“¡A todos! No se culpe a nadie de mi muerte y, por favor, nada de chismes. Al difunto le horrorizaban especialmente. Mamá, hermanas mías, camaradas, perdonadme; este no es el mejor camino (no se lo aconsejo a nadie), pero no tengo ninguna otra salida. Lili ámame. Camarada gobierno, mi familia es: Lili Brik, mi madre, mis hermanas y Verónica Vitaldovna Polonskaya. Si se ocupan de asegurarles una existencia decente, gracias. Por favor den los poemas inconclusos a los Brik, ellos sabrán qué hacer. Como quien dice: El caso está cerrado. El barco del amor se ha estrellado contra la vida cotidiana Y estamos a mano tú y yo Entonces ¿para qué reprocharnos mutuamente por dolores y daños y golpes recibidos? ¡Suerte a los que quedan! P.d.Camaradas, no piensen que soy débil. De verdad no se puede hacer nada. Digan a Ermilov que es una lástima que yo escribiera La consigna que debimos maldecir. En el escritorio tengo 2.000 rublos, úsenlos para pagar los impuestos. Lo que sobre dónenlo a la Casa de Publicaciones del Estado.”

En 1936 Stalin declara a Maikovski el mejor poeta de la era soviética y se crea un museo biblioteca en su honor.

“Al César lo que es del César,

a Dios lo que es de Dios.

Y al que es como yo

¿qué le queda?”

Todavía con sus versos estudiándose en toda la URSS, en 1959, durante la representación de su obra “El misterio bufo”, el público se pone en pie y guarda un minuto de silencio, haciendo cierta la “profecía” del poeta: “Cuando haya muerto, leeréis mis versos con lágrimas en los ojos.”

“El arte no es un espejo para reflejar el mundo, sino un martillo con el que golpearlo”

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